Por trás da objetiva

A fotografia intimista de Clark e Goldin

americo — Thu, 23 May 2013 12:35:40 +0000

Imagem da série Tulsa, de Larry Clark

Durante a sua trajetória, a fotografia moderna sempre se apoiou em eventos importantes para se justificar, já vimos isso na ascensão do fotojornalismo, com Capa, Bresson e a Magnum. A fotografia se voltava para o exótico e as expedições fotográficas eram o grande sucesso da época. Logo a seguir, Robert Frank inverteu o jogo e passou a expedicionar dentro de seu próprio país (claramente influenciado pelo escritor Jack Kerouac e o livro On the Road, que recomendo fortemente), o evento passou a ser o cotidiano, o dia a dia e as peculiaridades das cidades. Esse conceito foi extrapolado por Steven Klein que além de fotografar o cotidiano, criava eventos provocando reações dos fotografados. Klein era agressivo e interagia com seus motivos. Pois bem, através do uso das cores, Willian Eggleston eliminou o evento da fotografia, a não era mais necessário um motivo pra fotografar, tudo passou a ser fotografável. Com essa ideia, Eggleston não precisou sair de seu bairro para criar suas obras mais famosas.

A fotografia estava se tornando cada vez mais intimista, foi do mundo pra cidade, da cidade pro bairro, e, seu próximo passo, era sair do bairro pra dentro de casa, do quarto.

Talvez o primeiro fotógrafo a trazer a arte para sua vida intima tenha sido Larry Clark, com o trabalho Tulsa. Clark fotografava em preto e branco e registrava seu dia a dia e de seus amigos. Regados a álcool e drogas, os garotos de Tulsa representam o estilo de vida da juventude pós beatnik e pré hippie americana.

O estilo de Clark, influenciou a maior expoente da fotografia intimista, Nan Goldin. Já clicando em cores, ela registrou o submundo dos travestis e usuários de drogas de Nova Iorque. A fotógrafa utilizava o estilo gonzo de fotografia (gonzo é um termo cunhado no jornalismo, característico do estilo “new journalism”, que estava em voga na época, e pregava o jornalista como personagem da matéria).

Suas fotos mostram relações sexuais, abuso de drogas e o estilo de vida do undergroud nova iorquino. Por vezes, a própria fotógrafa aparece em momentos de intimidade ou cheia de hematomas após apanhar de seus parceiros.

A estética das imagens de Goldin lembram a das câmeras snapshots, com flashes duros e diretos, isso eleva o caráter voyeurístico de sua obra, como se as fotos tivessem sido feitas sem nenhuma preocupação estética. É quase como se estivéssemos vendo um álbum de fotos pessoal e íntimo.

Seu legado, além de certificar a fotografia intima como arte, também foi dar credibilidade ao estilo snapshot, que na maioria das vezes tinha caráter de amadorismo.

Prova disso são fotógrafos como Terry Richardson e Juergen Teller, que se apropriaram desse estilo e hoje fazem enorme sucesso no mundo da moda.

Nan Goldin

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Que cara tem a realidade?

americo — Fri, 17 May 2013 17:33:34 +0000

Foto vencedora do WPP 2013, de Paul Hansen

Mais uma polêmica marcou o World Press Photo desse ano. No início da semana, o blogueiro Neal Krawetz publicou na seção Photo Forensics, de seu blog Hacker Factor, um artigo dizendo que a foto campeã do mais prestigioso concurso de fotojornalismo do mundo, teria sido, na verdade, uma fusão de diversas imagens.

A foto (essa aí de cima), de Paul Hansen já enfrentou críticas quando o resultado do prêmio saiu. É visível que ela foi muito manipulada para parecer mais dramática. Basta notar que as cores foram dissaturadas e o céu está com uma coloração esquisita e apresenta um halo de luz próximo ao prédios ao fundo. Krawetz notou outros detalhes, como a incongruência entre a iluminação e a posição do sol e a diferença de luz entre os personagens. Recomendo ler toda a análise.

Ok, manipulação pesada está presente em todas as fotos premiadas no WPP . A prática sempre existiu, não surgiu com a fotografia digital, é inocência achar que as imagens analógicas não sofriam pesadas pós produções (sou a favor desse tipo de manipulação em fotojornalismo, concorri com o ensaio “Vidas Secas” e recorri ao software para conseguir o resultado que queria). Faz parte do jogo, gostemos ou não, o concurso admite isso e o mercado exige.

O grande problema é Krawertz afirmar que a foto foi feita a partir de outras duas imagens. Se isso for verdade a credibilidade do concurso e do fotojornalismo como um todo, estaria comprometida. Uma vez que a foto não retrataria algo que realmente aconteceu e sim uma composição de diversos momentos. Preocupados, o pessoal do WPP consultou uma equipe de especialistas para analisar a imagem. Eles chegaram a conclusão de que a foto, apesar de muito retocada, é verdadeira. Hansen afirmou que a imagem se desenvolveu a partir do mesmo arquivo RAW o que explicaria a conclusão de Krawertz, foram usados diversos arquivos para criar uma única imagem. Esses arquivos foram desenvolvidos de um mesmo RAW, ou seja, eram várias versões da mesma foto que foram fundidas.

Essa discussão está longe de terminar, mas como não sou especialista no assunto, vamos focar no que temos certeza: a foto foi bastante manipulada, a ponto de parecer inverossímil.

A pós produção excessiva é uma tendência bastante em voga no fotojornalismo. Francesco Zizola, fotógrafo italiano multipremiado (entre outros, 7 premiações no WPP) aproveitou essa moda e criou, há alguns anos, a empresa 10b, especializada em tratamento de imagens fotojornalísticas.

O negócio deu tão certo que a maioria dos principais fotojornalistas do mundo (James Nachtwey, por exemplo) costumam enviar suas imagens para a empresa de Zizola. O fotógrafo/empresário italiano é muito bem relacionado, conhece os principais jurados dos maiores concursos. Portanto, cada foto é tratada especificamente para satisfazer o gosto desses caras, o que potencializa a chance de uma delas ser premiada. Isso significa que diversas versões da mesma foto podem ser inscritas em diferentes concursos.

A 10b criou um estilo conhecido como “italian look”, onde as imagens são bastante contrastadas, escurecidas, vinhetadas e pouco saturadas, tudo para aumentar a dramaticidade das fotos. Se olharmos as fotos mais conhecidas e premiadas dos últimos anos, vamos perceber que a esmagadora maioria delas apresenta essas características (assim como a de Hansen, que não passou pela 10b). A empresa criou um padrão de como as imagens devam parecer para serem premiadas.

Isso é bastante preocupante. Ao que parece, a realidade “nua e crua” não nos basta mais. A foto precisa ser espetacular, precisa ser cinematográfica. Precisa ter o “italian look”. Se você quer ganhar um concurso, se quer ter suas fotos publicadas em grandes veículos, é assim que ela deve parecer.

Não estamos apenas espetacularizando a realidade, estamos criando um padrão de como essa realidade deve parecer. Tudo o que for menos dramático que isso, é simplório demais.

Foto de Francesco Zizola, antes do tratamento feito pela 10b

Foto de Zizola,depois da pós produção feita pela 10b

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trasdaobjetiva

Ateliê Coquille

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It`s all about the light

americo — Wed, 08 May 2013 20:51:09 +0000

Imagem: FakeDoll (reprodução do vídeo de Guzman)

Quando estava aprendendo a dirigir, meu maior medo era não saber qual marcha usar e quando. Logo que comecei a fotografar, o receio era não saber montar uma luz, ou não saber que luz montar.

Todo mundo me dizia que, na hora certa, eu saberia que deveria mudar a marcha, que o carro iria me avisar. O mesmo acontece com a fotografia. Para definir onde posicionar a luz, devemos estar atentos a alguns fatores.

O primeiro deles é a proposta das fotos. A luz ajuda a contar a história, a dar o clima. Quando criança, quem nunca contou uma história de terror com a lanterna posicionada de baixo pra cima? Na fotografia, funciona da mesma maneira. É preciso saber que clima quer dar para o ensaio.

Outro fator importante a ser considerado é o formato do rosto da modelo. Encontrei no blog Fake Doll, um vídeo do diretor Nacho Guzman que demonstra muito bem a diferença que o posicionamento da luz faz na imagem final. A modelo às vezes parece mais magra, mais “cheinha”, mais bonita, mais feia, a pele lisa, marcada. Até a boca parece mudar de formato.

A luz tem o poder de modelar as formas, portanto, precisamos usar isso a nosso favor. Se a modelo tem um rosto mais largo, mais cheio, uma luz ligeiramente de cima pra baixo pode afinar as maçãs do rosto, por exemplo. A luz lateral é ótima para dar volume, mas ela ressalta relevos, portanto, se a pessoa tiver rugas, essa não é a melhor iluminação.

Assim como ao dirigir, fique atento aos detalhes, perceba que cada cliente tem uma necessidade diferente. A luz precisa estar a favor dessa demanda. Assim como o motor dá sinais de que é hora de trocar de marcha, as modelos e clientes também mostram seus melhores ângulos e como gostam de ser vistas. Preste atenção nas características do rosto da modelo, no jeito como ela se porta. Esses pequenos traços irão dar indícios de qual iluminação usar.

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Novos vôos

americo — Tue, 30 Apr 2013 18:22:19 +0000

Ateliê Coquille é a nossa mais nova empreitada

Além do trasdaobjetiva, agora também fotografo para o Ateliê Coquille, que é uma empresa que abri em sociedade com Laila Casado, que, além de minha noiva, é especialista em marketing.

Voltado para ensaios sensuais e de moda, o Coquille veio preencher uma vontade que tenho há bastante tempo: ter controle sobre o que fotografo, poder interferir nas cenas e criar universos diferentes da realidade. É algo que busco há algum tempo já, e depois de estudar muito e quebrar a cara diversas vezes, finalmente me sinto apto a perseguir esse objetivo.

Por enquanto, lançamos um site com as nossas primeiras fotos e uma fan page no facebook. Lá iremos postar links de novidades sobre moda e fotografia. Será bastante diferente da fan page do trasdaobjetiva.

Por aqui, quase nada muda, a empresa funcionará paralelamente ao trasdaobjetiva e irei cumprir as demandas das duas empreitadas. Como este blog é pessoal e eu nunca sei sobre o que vou escrever até encarar a página em branco, provavelmente também contarei as minhas experiências no Coquille por aqui. Mesmo porque, essa adaptação do estilo fotojornalístico ao de moda, com certeza, me dará bastante assunto.

Outra mudança, que ocorrerá em breve, é que teremos uma sede para as duas empresas, com infraestrutura suficiente para ambas e um estúdio. Quando tudo tiver pronto, posto os detalhes.

Portanto, se você gosta e acompanha o trasdaobjetiva, fique ligado no Ateliê Coquille. Como sempre, estou aberto a críticas e sugestões

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Willian Eggleston no banco dos réus

americo — Thu, 04 Apr 2013 15:10:48 +0000

William Eggleston’s “Untitled,” 1970

O mercado de arte viveu, essa semana, uma polêmica. O fotógrafo lendário Willian Eggleston venceu, contra o colecionador de arte Jonathan Sobel, uma importante batalha nos tribunais.

Em abril do ano passado, o colecionador Jonathan Sobel processou o artista por reimprimir antigas fotografias e vende-las a preços baixos em uma casa de leilão. Segundo Sobel, o valor da arte vem da escassez e, quando se aumenta a oferta de obras, o valor das mesmas diminui. O colecionador possui 190 fotografias de Eggleston, avaliadas em 5 milhões de dólares.

Sobel, que emprestou imagens de sua coleção para diversos museus a ajudou a financiar uma retrospectiva do trabalho de Eggleston, em 2008, se diz traído e afirma que jamais teria comprado as obras de arte se soubesse que o artista iria ampliar o número de cópias.

A defesa do artista alega que quando as primeiras cópias foram produzidas, entre a década de 70 e 80, as fotos foram reveladas e de forma analógica. Essas novas cópias, foram feitas de forma digital, o que configura uma nova obra. Portanto, não são mais cópias das mesmas fotos e sim uma versão diferente dos mesmos negativos.

Julie Saul, presidente de uma galeria de arte acredita que ao meio em que a obra é impressa interfere no produto final. Para ele, o trabalho de Eggleston é muito rico em cores e a revelação analógica possui uma riqueza de detalhes que a impressão digital não consegue alcançar. De fato, Eggleston foi um dos precursores da fotografia em cores.

Essa foi a forma como a juíza Derborah Batts entendeu a questão, para ela, mesmos as duas impressões sendo criadas através dos mesmos negativos, os resultados representam duas obras diferentes. Portanto, Eggleston foi inocentado de todas as acusações (entre elas, enriquecimento ilícito), porém, Sobel promete apelar.

Pra mim é muito claro que cada método de impressão implica num resultado diferente, portanto, em obras de arte diferentes. Entendo a posição de Sobel, porque o valor de sua coleção realmente vai cair bastante, porém, ele não pode impedir o artista de produzir novos trabalhos, mesmo que sejam a partir de um antigo. É exatamente por isso que artistas mortos são mais valorizados.

Eu não sou conhecedor do mercado de arte, mas acredito que algumas coisas precisam ser repensadas. A fotografia digital já não é novidade faz tempo. Esse tipo de discussão já deveria ter sido superada há anos.

A decisão judicial é importante, pois da liberdade de criação para os fotógrafos, que não vão precisar se limitar por questões puramente mercadológicas

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americo — Wed, 20 Mar 2013 21:31:12 +0000

Passeando pela internet, me deparei com essa pérola, “17 pessoas que precisam se esforçar um pouquinho mais no photoshop” onde há 17 exemplos de fusões muito mal realizadas, algumas delas, provavelmente, nem foram feitas no programa da Adobe. Pois bem, não é fácil fazer esse tipo de manipulação parecer verosímil, eu mesmo não sou capaz de executar a tarefa, por isso não me atrevo a mostrar os meus “estudos” sobre o assunto.

Faz tempo que estou pra escrever sobre absurdos do mau uso do Photoshop, mas resolvi aproveitar o gancho pra falar sobre a necessidade que temos de fazer a realidade parecer melhor do que realmente é.

Sempre queremos deixar nossas imagens mais nítidas, mais dramáticas, mais impressionantes. Nossos clientes e modelos querem ser vistos mais bonitos, mais magros, com a pele perfeita. Eu sei que isso vem de antes do surgimento do Photoshop, porém, agora acontece em proporções muito maiores.

A realidade é o que menos importa, não interessa se a modelo não tem aquela barriguinha da foto na vida real, esses caras do exemplo acima não estão nem aí pro fato de não conhecerem as essas garotas, o importante é parecer que elas são suas namoradas.

O ser agora está subordinado ao parecer. E isso não é uma exclusividade da fotografia, basta ver o conteúdo postado nas redes sociais. Somos um exército de pessoas felizes, bem sucedidas, engajadas e ricas. As redes sociais são o photoshop da vida real.

Mas e porque isso acontece? Desde pequenos somos doutrinados para sermos vencedores. Para haver um vencedor precisa ter um perdedor e, para isso, é necessário haver competição. Quando só nos mostramos felizes no facebook, estamos, na verdade, competindo, queremos que o outro ache que somos mais felizes que ele, mesmo que, na verdade, não sejamos. A modelo quer parecer mais magra e mais bela do que todas as outras, os malucos aí de cima querem ter a namorada mais bonita do que a dos amigos e por aí vai.

É por isso que mais e mais vemos fotógrafos iniciantes buscando fórmulas mágicas para o sucesso. São presets que prometem deixar a foto com “cara de profissional”, HDRs para que a imagem fique mais impressionante (impressionantemente feia, mas essa é a minha opinião, quem usa, provavelmente acha bonito), assinaturas gigantes nas fotos e etc. Existe um senso comum de que quanto mais efeitos a foto apresentar, mais cara de profissional ela tem e é essa a intenção, parecer profissional sem se esforçar pra tal.

O que esses caras não sabem é que pra ser bom em alguma coisa, pra ser rico, pra ser feliz de verdade, é preciso trabalhar muito, estudar muito, suar muito, chorar muito. Que chegar lá é um processo, uma escada, não um degrau. A única fórmula do sucesso é trabalho.

Conquistar uma bela mulher dá muito mais trabalho do que “photoshopar” uma modelo para que pareça sua namorada nas fotos. Chapar a barriga com pós produção é mais fácil do que malhar. Da mesma forma, aplicar um preset ou montar um HDR é muito mais fácil do que expor corretamente ou enquadrar a imagem de forma interessante.

Não sou contra photoshop, muito pelo contrário, mas o tratamento não pode ser muleta pra uma foto ruim

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americo — Thu, 14 Mar 2013 03:49:04 +0000

Fonte de luz pequena produz luz dura

A matéria prima da fotografia é a luz. Para uma boa foto é necessário, além de exposição e enquadramento coerentes, uma boa luz.

Mas o que é uma boa luz? É uma iluminação que facilite o entendimento da mensagem passada pelo fotógrafo.

A luz possui intensidade e qualidade, mas uma coisa não depende da outra. Isso significa que podemos ter muita luz ou pouca luz. E ela pode ser dura ou suave. Uma luz dura produz sombras mais escuras e pesadas, maior contraste, dependendo de onde for posicionada pode acentuar ou eliminar textura.

Já a luz suave produz sombras menos acentuadas, menos contraste, cores mais apagadas.

As luzes duras são provenientes de fontes de luz pequenas e as suaves de luzes grandes. Podemos notar isso facilmente no dia a dia, quando o céu está limpo, o sol se torna uma fonte de luz pequena e produz luz dura (saia num dia ensolarado e procure sua sombra, tenho certeza que será fácil de encontrar, ela será escura e com bordas bem definidas). Já em dias nublados, o sol é encoberto por nuvens, o que torna nossa fonte de luz maior, portanto, a iluminação mais suave (dessa vez, será mais difícil encontrar a sombra, se ela existir, será mais clara, com bordas difusas).

Certo, mas se quisermos uma luz suave em dia ensolarado? A regra é a seguinte: luz dura, fonte pequena. Luz suave, fonte grande. Portanto, para conseguir uma luz suave em um dia ensolarado, temos de aumentar a fonte de luz. Uma maneira de aumentar o tamanho da fonte de luz é colocar um difusor onde bate a luz do sol (normalmente fazem uma cabaninha com um pano branco e fino), ou rebater a luz em uma superfície clara, um rebatedor, por exemplo (nas duas situações, a fonte de luz passará a ser o objeto colocado entre ela e o motivo).

Agora, se quisermos uma luz dura em um dia nublado, teremos de usar, ao invés de um rebatedor branco, um flash.

Com a luz do flash a regra é a mesma, portanto, se quisermos uma luz de flash suave, devemos rebate-la em uma superfície branca ou utilizar um softbox ou outro modificador de luz que amplie o tamanho da fonte. É muito comum, principalmente para fotógrafo de eventos, girar a cabeça do flash para o teto ou para as paredes. Essa é uma forma de rebater para suavizar a luz.

Não existe luz boa ou luz ruim, o que existe é iluminação adequada ou inadequada para cada situação e para cada imagem. Cabe ao fotógrafo selecionar que tipo de iluminação é mais coerente com a mensagem que ele quer passar.

Fonte de luz grande, luz suave

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americo — Wed, 06 Mar 2013 16:36:01 +0000

Imagem de Alessandro Imbriaco, um dos 30 fotógrafos selecionados

O portal Photo District News revelou o nome de 30 jovens fotógrafos para se prestar atenção em 2013. A seleção foi feita entre 300 profissionais de todo o mundo, para participar era necessário estar no mercado de trabalho há no máximo 5 anos e ter trabalhos de destaque.

Os fotógrafos são realmente bons e é interessante dar uma olhada no portfólio de cada um. São de diversas áreas e estilos diferentes. Sempre dá pra tirar uma inspiração e usar alguma coisa de referência.

Gostei muito do trabalho do italiano Alessandro Imbriaco que é escuro e sombrio. Outro fotógrafo interessante é Michael Hanson, que documenta culturas e costumes como a vida dos Amish e o cultivo de café na Ethiópia. O casal James Michelfelder e Therese Sommerseth faz belas fotos sobre esportes e atletas, tem a ESPN como cliente, vale a pena dar uma conferida também. Gostei muito da delicadeza da jovem Olivia Bee, que apesar da pouca idade (19) já fez trabalhos até para a prestigiosa grife Hermés. É bom conferir a lista toda e ver como diferentes fotógrafos de diferentes áreas estão conquistando sucesso, que é possível ser bem sucedido e se destacar mesmo num mercado tão saturado.

Porém, o que mais me chamou a atenção foi o campo “Key Lesson Learned” onde cada fotógrafo conta o que aprendeu e que foi fundamental para o sucesso. Li todas e recomendo que façam o mesmo. Alguns conselhos são valiosos e me fizeram repensar em alguns aspectos de como estou conduzindo a minha carreira. A maioria fala sobre a importância de se permitir errar, de que a melhor forma de desenvolver o seu estilo é produzindo trabalhos autorais e que devemos trabalhar incessantemente em busca de nossos sonhos. Ok, parece tudo meio óbvio, mas é bom ouvir de quem reconhecidamente está no caminho certo.

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americo — Tue, 26 Feb 2013 18:05:51 +0000

Foto de Paolo Pellegrin, que provocou a polêmica no WPP 2013

Saiu há duas semanas o resultado do World Press Photo (WPP), o mais prestigiado concurso de fotojornalismo do mundo (não, não foi dessa vez que ganhei). Como sempre, o resultado do concurso gerou diversas polêmicas. Há quem questione o fato de que apenas fotos violentas e de zona de conflito são premiadas, outros não concordam com o excesso de pós produção nas imagens vencedoras. Para mim, a polêmica mais relevante do WPP deste ano é que questiona a ética profissional do fotógrafo da Magnum Paolo Pellegrin.

Pellegrin é membro da Magnum desde 2005. Famoso por seu preto e branco bastante constrastado (ele reconhecidamente tem “mão pesada” na pós produção) o fotógrafo já venceu outros WPPs e diversos Pictures of the Year (POY).

Seu ensaio “The Crescent, Rochester 2012” conquistou o segundo prêmio na categoria General News no WPP, também segundo lugar na categoria Reporting Picture Story e venceu o prêmio Freelance Photographer of the Year, ambos pelo POY.

Certo, trata-se de um fotógrafo renomado, seu ensaio venceu dois prêmio importantes, a qualidade não está em questão, portanto, qual a polêmica?

O problema é que, aparentemente, uma das fotos não pertence ao contexto em que foi inserida e o personagem retratado não é quem o fotógrafo diz ser.

Tudo começou quando onze fotógrafos da Magnum foram a Rochester, NY, documentar a cidade (que foi a sede da lendária Kodak), a ação faz parte de um projeto da agência onde estudantes de fotojornalismo do Rochester Institute of Technology serviram como assistentes.

Pellegrin resolveu documentar a parte de Rochester conhecida como “The Crescent”, famosa por ser reduto de usuários de drogas, gangues e possui um alto índice de criminalidade. Suas fotos mostram batidas policias, membros de gangues fugindo, assassinatos, cenas de crime e etc. Uma delas mostra um jovem branco com uma espingarda na mão, a legenda da foto diz tratar-se de um ex atirador de elite (sniper) do exército americano (US Marine corps).

Esse homem foi identificado como Shane Keller, ele foi soldado, mas nunca da equipe de snipers. Keller também nunca viveu em Crescent, as fotos foram tiradas em sua casa, onde, ele diz, que não precisa nem trancar as portas para dormir, de tão baixo índice de criminalidade, e posou com sua coleção de armas, a pedido de Pellegrin.

A legenda, alarmante por se tratar de um atirador de elite vivendo entre gangues e usuários de droga, não é verdadeira. Keller acredita que a foto foi usada propositalmente para causar esse espantamento, ele lembra que Paolo sequer perguntou seu nome.

Como se não bastasse, a descrição do ensaio apresenta frases exatamente iguais a um artigo publicado no New York Times há 10 anos. São dados factuais como o a porcentagem de crimes em relação ao percentual de habitantes da cidade e citações do chefe de policia local. Portanto, além da questão ética, do personagem não ser e a foto não mostrar o que a legenda indica, Pellegrin também está sendo acusado de plágio.

Em resposta, o fotógrafo diz que a foto foi tirada em Rochester, “The Crescent” é o nome do ensaio e não a indicação de onde foto foi feita. Ele diz que a denominação Crescent, para ele, é mais conceitual do que geográfica e que os problemas causados por armas e drogas em Rochester tem a ver com o fato de haver pessoas, como Keller, que possuem armas em casa. Pellegrin não conhecia a cidade recebeu carona de um de seus assistentes (que o apresentou a Keller), por isso, ele afirma desconhecer os limites da área conhecida como Crescent (o apartamento de Keller fica há quase 15 quilometros da área conhecida como Crescent).

Em relação ao título de atirador de elite, o fotógrafo diz que pode ter compreendido errado, ou o personagem pode ter dito errado, pois conversaram bastante sobre snipers no dia. Em outra entrevista, Pellegrin diz que apenas se lembrava que Keller era soldado.

Quanto a descrição do ensaio, Pellegrin diz que retirou diversas informações da internet e de artigos, ele afirma que o texto não era pra ser publicado, serviria apenas para dar informações de background para situar os editores dos veículos de mídia para quais o ensaio foi enviado e que, um assistente, que inscreveu as fotos nos concursos, acabou usando o mesmo texto.

Pra mim, a foto foi usada para dar a entender que Keller estava em Crescent e era contraventor. A foto é colocada em um contexto que não corresponde com realidade e a legenda comprova o fato, pois não diz que as fotos foram tiradas em Rochester, como diz Pellegrin, e sim em Crescent, Rochester.

A questão de ser atirador de elite ou não, pra mim é secundária, pode sim ter havido um mal entendido, apesar de que a palavra sniper dá uma conotação mais grave a imagem. Já a descrição do ensaio acredito que o fotógrafo não foi ético, procurou informações sobre o local e as usou sem citar as fontes. Com a intenção de ser publicado ou não, todo material intelectual deve ser creditado a seu autor. Brigamos e ficamos bravos quando não nos dão crédito por nossas fotos, não podemos fazer o mesmo com jornalistas, por exemplo.

Apesar da foto de Keller não representar a comunidade de Crescent, ela casa bem com o ensaio e fortalece o discurso que o projeto se propõe a mostrar.

A questão é importante, pois coloca em discussão o papel do fotojornalismo. Qual é a nossa função? Contar histórias que sejam fiéis a realidade ou criar ensaios de grande potencial estético para chamar a atenção para um problema?

Tirando a foto de Keller, o ensaio revela uma faceta da cidade de Rochester onde há crime, drogas e armas. A realidade pode ser menos alarmante do que as fotos mostram, pode ser que Rochester seja um lugar pacífico, porém, ainda assim, há crime, drogas e armas em Crescent, Rochester. Quantas vezes vamos para uma pauta, ou um projeto, já com uma ideia na cabeça e fotografamos apenas o que nos interessa e da forma como queremos?

Não vejo problema em retratar apenas parte de um todo, cada fotógrafo tem uma visão de determinado assunto e deve ser fiel a essa visão. Agora fotografar outro lugar e dizer que é Crescent, aí o problema é maior. Tirar uma foto de um local e inseri-la em outro contexto para dar força a um projeto é, no mínimo, leviano.

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americo — Wed, 20 Feb 2013 16:46:55 +0000

Comecei 2013 cheio de projetos e metas. Se o ano correr como espero, muitas novidades estão por vir. A primeira delas é o site trasdaobjetiva.

Por um bom tempo eu não via motivo para ter um site, afinal, as minhas fotos estavam no flickr, no 500px, no facebook e etc. Achava que um site teria menos visibilidade por não se tratar de uma rede social onde as pessoas estão sempre acessando e acompanhando. Por um lado, essa teoria faz sentido, por outro, o lado comercial, ter um site pode ser muito útil.

Um site é uma forma mais profissional de apresentar o trabalho para um potencial cliente. Num mercado onde todo mundo é fotógrafo amador, mostrar que é profissional me parece um diferencial importante. É também uma oportunidade de selecionar e escolher os ensaios que mais gosto daqueles que faziam sentido na época que postei, mas que agora não me dizem mais nada.

Além disso, o site irá inaugurar uma nova fase na minha carreira, onde me dedicarei a projetos maiores, que merecem um local próprio para serem abrigados.

De resto, nada muda, continuo fotografando para o jornal Metro, o blog continua igual, hospedado no portal Band/UOL e sendo atualizado sempre que possível. A única diferença é que agora poderá ser acessado, também, direto do site. Lá também há links para o feed no instagram, a fan page do blog no facebook e o twitter.

Espero que gostem.

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